音波という言葉からも分かるように、音＝波（空気の振動）です。楽器の音は、唇やリード・弦などの振動が空気を振動させる（波を起こす）ことによって生じ、それが耳の鼓膜を振動させることによって、最終的には大脳の聴覚野というところで認識されます。ですから、いい音を出し上手な演奏をするためには、この音＝波の性質について、ある程度理解することが大切です。つまり普段は見えない「音」を、目で見て頭で理解するのです。誰かを好きになるときに、普通はその人の声だけではなく、見た目も大事にするでしょう？人間は視覚から最も多くの情報を得る生物です。ですからまずは、この音を目で見て理解してみましょう。

　次の図を見てください。

これからたくさんのグラフが登場しますが、グラフの端から端までが１秒間だと思ってくださいね。

 

　これは１秒間（グラフの端から端まで）に５回の波が起こったことを表しています。波はＸ軸を中心に上下にうねりますが、１回の波＝１回の上下のうねりになります。１秒間に５回のうねり（波）があるから、この状態を５ヘルツ（５Ｈｚ）と言います。チューニングをする音は、通常４４２ヘルツですよね。つまり普段はこの波が１秒間に４４２回生じている状態を基本としているのです。なんで４４２回かって？それを話すと長くなるので、やめておきますね。

さてここで、必要最小限の言葉を理解しましょう。次のグラフを見てください。

 

 波の高さのことを振幅といいます。この高さの違いが音量の違いになります。

振幅の大きさ＝音量

 波の数（グラフの端から端までが１秒間だったことを思い出してくださいね）のことを、周波数といいます。この周波数（波の数）の違いが、音の高さの違い（音程）になります。

波の数の違い＝音程

 音を機械でつくるとグラフのようにきれいな波ができますが、実際に楽器から出る音の波は、形がかなりギクシャクしています。次の図は、フルートでAの音を吹き、その波形をオシロスコープという機械であらわしたものです。

 

 このように、波の形の違いが音色の違いになります。

波の形の違い＝音色

 

「音＝波」というイメージが、少しは沸いてきましたか？

それでは次に、音が合う（合わない）ということを、波（グラフ）で考えてみましょう。

　通常は数十人で合奏することが多いと思いますが、まずは２人で音を合わせることを考えてみます。ＡさんとＢさんが全く同じ音程の音を出したとして、Ａさんの音（波）を実線で、Ｂさんの音（波）を破線で表してみます。また、２人の音を合わせた音（それぞれの値の足し算＝合成波という）を赤の実線で表します。 

 ＡさんもＢさんも１という大きさの音（振幅）を出しているとすると、２人の音を合わせた音（合成波）の大きさ（振幅）は、１＋１＝２になります。「２人で演奏したら、１人の音より２倍大きな音になる！」ということです。 

ところが・・・

2人の音程が合わないときの波を書いてみると、次のようになります。 

 2人の音（赤）には、大きなところと小さなところが生じてしまいます。音程が合っているときには、2人の音を合わせた大きさは、１＋１＝２だったのに、音程が合わないと、お互いの音がそれぞれ打ち消しあってしまうため、2にはならないのです。

 これをもう少し細かい周波数（高い音）で見てみましょう。さっきは５Hz（1秒間に5回のうねり）だったので。今度は1秒間に２０Hzでグラフを書いてみます。

 まず2人の音が完全に合っている場合、グラフは次のようになります。

 

 2人の音（赤）は２の音量のまま、まっすぐに聞こえます。

 ところがAさんは２０HzなのにBさんは少し低い１６Hｚの音程だったとします。すると・・・

 2人の音（赤）は大きく４回上下にうねりますよね。その結果、実際には２人の音が１秒間に４回うなって聞こえます。うぉん　うぉん　うぉん　うぉん　という感じです。

 つまり、 

①     音程が合わないと、合成波（２人の音）がうねり、その結果、音がうなって聞こえる。

②     ２人の音程が１Hz違うと、うなりは１秒間に１回聞こえる。 

ということです。逆に言えば、うぉんうぉんという「うなり」が出ないように気をつけて演奏すれば、きれいに大きく響く！！ということになります。

「音が合う」という話とかぶりますが、もう少し具体的な例で、音程を合わせるとが音量アップにつながることを理解してみましょう。 

現在の吹奏楽コンクールの規定では、高校の部で５５名以内とされていますが、あまり人数を増やすとグラフが見づらくなるので、ここでは１０人で合奏したことにして、その音程と音量の関係を見ていきましょう。

先ほどからの話と同様、１人の音量が１（つまり振幅が１）だとすると、１０人で出した音の音量は、全員の音程が完全に合っているなら、１＋１＋１＋１＋・・・＝１０になるはずです。これをグラフにすると、次のようになります。

 

　ところが、１０人の音程が上下に２Ｈｚの範囲でばらばらだったとします（ひどいバンドは実際にはもっとずれています）。すると、１０人で出した音は次のようになってしまいます。

 

 ２つのグラフを比べてください。

　音程が合っていると常に大きくクリアに響くのに対し、合わないと音量が小さいだけではなく、響きにもムラができてもうぐちゃぐちゃ・・・になるのが分かると思います。

　ここでは１０人が２０Ｈｚの音を出したことにして見てみましたが、実際には５０人ぐらいの人間が、４４０Ｈｚぐらいの音程で（これについては別に書きます）演奏するわけです。その結果の違いは歴然！！

　上手い演奏では、奏者が楽に演奏していてもよく響き、信じられないような大きな音がするのに対し（普門館のような大きなホールでも、天井が落ちそうなくらいによく響く）、下手な演奏では、顔を真っ赤にして鼻血が出そうなくらいにがんばっても、音が小さく全く響かないように聞こえる理由が分かりましたか？

　上手いバンドの音は、大きいだけではなく、非常に澄んで緊張感に満ち溢れているとは思いませんか？特にppの時など、背筋がぞくぞくするほど音が澄んで聞こえます。これには様々な要素が考えられますが、その１番の原因は、やはり音程と波形、つまり音色です。

 まずは音程について考えてみます。「音程と音量」のところに載せた、２つのグラフを見てください。 

　グラフの真ん中（Ｘ軸）周辺に見られる小さな波が、個人個人の音です。音程が合っているときには、個人個人の波が完全に重なり合うために、非常にすっきりしていますよね。これが「澄んだ音」の原因です。この澄んだ感じは、ホール内の空気に直接伝わるため、聴衆に緊張感をももたらします。一方、音程が合わないほうのグラフでは・・・それぞれの音がごちゃごちゃに入り乱れ、なにがなんだか分からない状態になっています。これでは澄んだ音がする訳がなく、当然の事ながら緊張感などもありえないですよね。

 　次に波形、つまり音色について考えてみます。「音の３要素」のところにも書きましたが、音には３つ目の要素である「波形＝音色」があります。さまざまな訓練をすれば、音程は必ず合わせられるようになります（詳細は別にまとめています）のですが、実際に楽器から出る音は、さまざまな倍音が関係するため、このようなきれいな波形にはなりません。楽器ごとにも違いますし、プレーヤーによっても異なります。

 　上手いバンドを聴くと、音がものすごくブレンドされ、「いったい何の楽器の音なのか？」が分からないほどです。これはバンド全体の波形が似ているためです。楽器ごとの音色（＝波形）を超越した、個人ごとの音色（＝波形）が調和するんですね。

お互いの音、つまり波形をどうやって似せていくかは、またあとで書いてみます。

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音程が合わないバンドの音を聞くと、真っ赤な顔をして懸命に吹いていてもホール内にはほとんど響かず、音量は小さいのにうるさく耳が酷く疲れる・・・。そんなバンドの音は下図の最初のようになっています。音程も音量も常に安定せず、ほとんどのタイミングでお互いの音を消しあってしまうため、音量が小さく響かないように聞こえます。ところがたまたま偶然にお互いの音の波長が合ってしまうことがあって（音程が合うバンドは常に合うのですが）、その瞬間だけホール内に音が飛んできてしまいます。ちょうど大きめの入れ物に水を入れてそーっと運んできたのに、何らかの瞬間に水面の波が急に大きくなり「パシャ！」と顔にかかってしまう感じです。そんなことが不定期に起こるものだから、音量が小さいのに好評で「うるさい！」と書かれてしまうのです。知識のない指導者はそのコメントを真に受けて、それ以降音を小さくするよう努力してしまいます・・・。最悪！

　「音程が合う！」という現象をきちんと理解できてくると、はじめは図の真ん中のように、2人以上の合奏の時に音の線が見えてくるようになります。これは音程がかなりあってきた証拠です。指導者の方や上級生の方などは、この線が見えてきたら、まずは沢山ほめてあげましょう。たとえそれがほんの瞬間的なことであったにせよ、「音が合う！」ということを全員で共有できた瞬間でもあるのですから。

　そしたら次の段階として、その線がすべての音で見えるようになるよう努力しましょう。ある程度線が見えるようになったら（音程が合うということを実体験として感じられるようになったら）、全部の音で線が見えるようになるのは難しいことではありません。そして・・・

　この線にこだわっているうちに、ある音については、線が全く見えないのにものすごく大きく美しく感じられる瞬間があることに気づくはずです。これが３つ目の図の状態。これは単純に出ている音の音程が合っているだけではなく、同時に作られている数多くの倍音がすべて合っている状態です。こうなると空気は澄み渡り、どんなに響かない部屋でも音は限りなく天に向かって響いていきます。曲に出てくるすべての音でこんなきれいな空気が作れたら・・・天にも昇るほど感動するはずですよ。奏者も観客も！

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　柄（がら）のついたコマを、照明の下で回したことはありますか？コマの回転数に合わせ、回っているコマの模様が次第にゆっくりになって一瞬止まり、その後は反対周りに少しずつ周り始める。そしてしばらくすると、またその動きがゆっくりになって止まり、反対向きに回り始める…。この現象は、チューニングをしている状態と理論的に同じです！音が合う・合わないといことが、目で確認できるんですよ！ぜひ学校や家庭で体験し、理解してみましょう！

こんな柄（がら）のコマを回すと・・・	最初、模様が見えないが・・・・	しだいにゆっくりになり一瞬止まる

 

　さて、「照明の下で…」と書きましたが、皆さんの身の回りにある照明は常に細かく点滅しているのは知っていますか？これは家庭に供給されている電気が直流（プラスとマイナスが常に一定で変化しない）ではなく、交流（プラスとマイナスが常に入れ替わっている）であるためで、そのプラスとマイナスの変化の様子は、音と同様、「波（正弦波交流）」になっています。プラスからマイナス（マイナスからプラス）に変化する際には、必ず電圧がゼロボルト（0V）の点を通るので、その時には一瞬照明が消えます！「うちの照明はずっと光ったままで、ついたり消えたりはしないよ！」と思われる方がいらっしゃるかもしれませんが、それは点滅速度かかなり速いため、点滅していないように見えるだけです。ちなみにその速度は、東日本では５０Hz（ヘルツ）で西日本では６０Hz（ヘルツ）。山と谷で１つの波ですから、東日本では１秒間に１００回、西日本では１２０回、ピカピカと点滅しているわけです（なぜ東日本と西日本で点滅回数が違うのかということを知りたければ、「中部電力様のホームページ」等がわかりやすいです）。

 音の波と家庭用電源（交流）の波は同じ

 

　照明が点滅していることは、鉛筆１本で確かめられます！照明の下で鉛筆を素早く左右に振って「ほら、鉛筆が何本かに見える！！」なんて遊びをしたことはありませんか？あの現象は、鉛筆に照明が当たった時にだけ鉛筆が光を反射するために起こる現象なのです。太陽光の下で同じことをすると、鉛筆は何本かには見えないはずので、実験してみてください。もし太陽光の下でも鉛筆が数本見えたとしたら、あなたを照らす太陽が点滅しているということです(笑)。

　話を本題に戻しますが、コマを回した瞬間からコマの回転速度が落ち始め、やがてその回転数が照明の点滅速度の整数倍かその逆数倍（１／整数　倍）になります。つまり、眼下にくるコマの柄の変化（周波数）と照明の点滅数（周波数）の関係が、整数倍（または逆数倍）の関係になるわけです。この状態になった瞬間に、回っているコマの模様が止まります。

　ここで、「音が合う」というのはどういうことだったか思い出して下さい（忘れた方は、「音が合う（合わない）ということ」を復習してください！）。音が合うという状態は、それぞれの音の波どうしがきちんと重なり合う状態でしたよね。つまり、「照明の下でのコマの模様が止まる＝音が合った状態」ということなのです！！
　回転速度がしだいに減少していくということは、周波数が下がっていくということと同じですから、コマの模様の変化と音が合うという状態を比較してまとめると、次のようになります。

①回っているコマの模様が少しずつゆっくりになる　＝　やや高い音から少しずつ基準音に近づきながら、音程が少しずつ下がってきている状態
②コマの模様が止まる　＝　音程がぴったり合った状態
③コマの模様が再び動き始める　＝　音程を下げすぎて「うなり」が生じ始めている状態

　つまり、照明の下でのコマの模様の変化は、少し高めの音からチューニングをはじめ、一瞬音程が合うんだけどそれを通過して音程を下げていく状態・・・という感じに説明できると思います。

　ピッチの合わないバンドを演奏を聴くと、大した音量でもないのに耳がつかれ、何をやっているのかよくわからないものです。この状態は、動いているコマの模様が認識できないほどピッチがずれている状態です。
　また、ｐでもｆでも音がとてもクリアで、プレーヤー一人ひとりの音もはっきり聞こえ、ホールの空気が澄み切っているバンドの演奏は、コマの模様がしっかりと見え、それが常に維持されている状態（コマの回転数が減少しない状態）なのです。

　この状態を維持し続けるためには、摩擦や空気抵抗に負けないよう、コマに少しずつ力を加えてやらなければなりません。上手いバンドは、プレーヤー全員が、この力を音に加え続けているのです！！！

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　１Hzずれれば1秒間に１回、４Hzずれれば4回の「うなり」が生じますが、音がものすごくずれて、1秒間に何十回も「うなり」が生じたら、いったいどうなるのでしょう？？　...
　2人で同じ音を演奏する時、音程が完全に合えば（周波数が全く同じであれば）音量は2倍になり、少しでも周波数がずれれば、ずれた分だけ「うなり」が発生する！このことは理解されていると思います。今回は、この逆の発想で音程を考えて行きます。

https://www.youtube.com/watch?v=cAAwe_xVO1w

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　せっかく生じた差音なのですから、日頃の練習に利用しない手はありません。そこで、チューニングと日頃の練習への利用法を考えてみましょう！

｛理想的なチューニング？｝

　私は普段から、「チューニングなんて1人１秒で充分」と思っている人間なので、その方法についてはごちゃごちゃ言う気がないのですが、チューニング前にハーモニーディレクター等から出す基準音について、コメントしたいと思います。

　あまり上手ではないバンドでは、チューニングの間中、ハモデからずーーーーーーーーーっとチューニングB♭の単音を鳴らし続ける光景が見られがちです。無意味だし、うるっさい・・・。

　私はチューニングの際、これまでB♭と完全5度上のFの音を鳴らすようにしていました。これはあるバンドさんの真似なのですが、単音でB♭を鳴らすより、チューニングの精度が高くなるような気がしていたのです。もしそれが本当なのであれば、理論的には前回説明した｛100Hzの「ド」に対し、完全5度上の「ソ」を鳴らした場合｝に生じる差音（１オクターブ下のB♭）のおかげかもしれません。

　また「差音」的に考えると、鳴らしてはいないFの音が聞こえるように、2オクターブ違うB♭の音を出すのがいいのかもしれません。こちらは実験したことがないのですが、そのうち機会があればやってみたいと思います。

｛練習への利用｝
　私は、正しい音程を身につける方法として、いつも「ペア練習」をお勧めしています。ロングトーン・スケール・リズムなど、色々な内容の決まった課題を常に２人で練習させ、それを「基礎合奏」の内容としても使えるよう、楽譜を作っています。この「ペア練習」段階において、最初は同じ楽器・パート内でやってもらうのですが、慣れてきたら、ありとあらゆる楽器どうしでペア練習ができるよう、組み合わせ表を作ってもらいます。毎日、別の相手とペア練習することで、人間関係が良くなる意味合いも大きいのですが、「差音」の視点から考えると、違う音域の楽器どうしのユニゾン練習は、ものすごい効果がありそうですよね！
　例えば「ピッコロとB♭バス」なんて組み合わせもあるわけですが、この場合、3オクターブの音域の違いがあるので、２人でチューニングB♭を鳴らした場合、差音には、ピッコロのチューニングB♭の長2度下のAsの音が聞こえるはずです。この差音まで完璧に合ったら、かなりの精度ですよね！

｛その他｝
　「差音」のことは直接言わなくても（あまり面倒なことを言うと、興味がない人は引いてしまうので）、合奏中に音が完全に合った瞬間、部屋内が突然に「ものすごくよく響くホール」や「教会内」のように感じられることがありますよね！その瞬間を逃さず、「今、完璧に音が合って、低音から高音までものすごくクリアに響いたよね！」と言ってあげると、それだけでバンドの意識や目指す音が見えてくるはずです。

　そのついでに、「実は、今のはみんなの楽器から出ている音と倍音と差音が、完全に合ったんだよ！すごいすごい！！」とほめてあげると、次の瞬間から、みんながその音をもう１度出したいと意識し始めるようになります。

本当ですよ！　だって、その瞬間って演奏してて、ものすっっっっっごく気持ちいいんですから・・・。

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　世の中の音の基準は、Ａ（４４０Ｈｚ、ピアノのラの音）を基準にすると、１９３９年にロンドンで行われた国際会議で決められました。これが理由なのか、弦楽器の開放弦にＡの音が多いためなのか、オーケストラでは基本的にＡの音でチューニングします。吹奏楽では、Ｂ♭の音でチューニングする場合が多いですが、これは単純にＢ♭管の楽器が多いからです。

　でもそんなことはどうでもいいとして、今、皆さんのバンドがＢ♭の音でチューニングしたとしましょう。さて、何が合いましたか？そして何を合わせましたか？

　ご存知の通り、楽器には様々な調があります。また楽器の種類による癖（金管楽器の第５倍音が上ずる・・・など）、楽器そのものに特有の癖（特定の音が高い楽器・・・など）、プレーヤーの癖（演奏上の癖やそもそもの個人の音感的な癖）など、チューニングには克服すべき問題が多すぎます。大体、フルートやオーボエなんて楽器自体の音程は無いぐらいに、アンブッシュアや持ち方・吹き方で音程が変わりますよね。これらをほとんど無視して、皆さんが合わせたのは、無理して作り出したＢ♭という意味のない音です。

つまり、チューニングはそれぞれの楽器から出た「音」を合わせる作業ではないのです。

　それに、仮にＢ♭の音が完全に合わせられたとしても、それ以外の音は全く合ってはいません。すべての音が完全に正しい音程の管楽器なんて、この世の中には存在しないからです。もしそんな楽器が合ったとしても、和音を吹く時には使えませんよね（和音と倍音・音程については、他のサイトをご覧ください）。

では、一体なにを合わせるのでしょう？

　答えは、自分の楽器の調節範囲を合わせます。つまり基準になっている音に対して、自分の楽器はこれぐらいのピッチに調整しておくと、他の音についても調整が楽だ！　というような状態にするだけなのです。そのために、自分の楽器の管を抜き差しするなどして、その日のコンディションに応じた調整をしておく準備体操なのです。

　もちろん演奏途中に楽器の状態は変化してきますから、曲の中でも必要に応じて調節しますし、特定の調や音だけ抜き差しして調節する場合もあります。

だからチューニングでは音を合わせるのではありません。頭の中や体の状態をチューニングするのです！！

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　音程の合わないバンドのチューニングや練習風景に必ず見られるのは、１人１人がチューナーを持ち、ベルにマイクを着けて電源をいれ、チューナーを見ながらチューニングする姿です。基準になっている音も全く無視。チューナーだけが頼りで、耳ではなく目で音を合わせている・・・。目で音は聞こえないのにね。

　ひどいバンドになると、チューナーの電源を入れたまま、基礎合奏や曲の練習に突入してしまいます。コンクールの本番でもチューナーを使ってるのかな？

 バンドでチューニングをする際に、チューナーは全く不要です！というより、使ってはいけません。チューナーはバンドをチューニングする機械ではないのです！

 では、チューナーって何をする機械なの？って思うでしょう。

　チューナーは、「楽器の音をチューニングする」機械です。「何を合わせる？」のところにも書きましたが、管楽器には、その楽器の種類や楽器そのものの特有の癖があります。製造された国、時代、メーカーによってもかなり癖があります。音感の正しい人（よく訓練された人）なら、１回演奏すればそれらの癖はすぐに把握できますが、中高生など楽器経験の浅い人は、なかなかそれを把握しつくすことができません。そこで必要なのが「チューナー」です。自分の楽器のすべての音をチューニングし、楽器と自分の癖を完全に見抜き把握しておくための道具が「チューナー」です。ですからそれができるまでは、毎日面倒がらずにきちんとチューナーとマイクを接続し、癖を見抜き、それを修正しながらロングトーンをする必要があります。

 ここで注意が２つ。

　まず先ほども書きましたが、「目でチューニング」しないようにすること。チューナーを見ながら楽器を吹くと、チューナーの値が真ん中に来るように口で調節してしまいます。ですから、チューナーがなくなってしまうと何に合わせたらいいか分からなくなってしまい、結局適当な音程で演奏してしまうことになります。

　誰かにチューナーを見てもらって、音に集中するのが１番いいのですが、１人で練習するときにはそれができません。そんな時には、目を閉じて音を出し、その後に目を開いてチューナーを見てください。目を開いたあとにさらに口で調節してはダメですよ。目を閉じて耳と心で頭の中にイメージする音にチューニングし、目を開いた瞬間にそれが正しいかチューナーで確認するのです！ 

チューナーは、合奏には持ち込み禁止です！

　「何を合わせる？」のところにも書きましたが、世の中の音の基準はＡ（４４０Ｈｚ、ピアノのラの音）にすると、１９３９年にロンドンで行われた国際会議で決められました。ということは、それまでは特にきちんとした基準はなく、国民性や気分に任せられていたということになります。なぜ４４０Ｈｚなのかは分かりません。赤ちゃんの鳴き声がちょうどその辺の周波数だからという説もありますが、定かではありません。

　さて、「音の３要素」にも書きましたが、４４０Ｈｚというのは、音＝波の周波数（１秒間の波の数）でしたよね。この値が大きくなればなるほど音は高くなり、逆に小さくなれば低い音になります。

ん、待てよ。ということは・・・

 　普段チューニングするときに、「今日は４４０ＨｚのＢ♭でチューニングね！」なんて言ったりしていませんか？これはおかしい表現ですよね。だって４４０ＨｚはＡの音なのですから。じゃあ、普段のチューニングって、何に合わせているんでしょう？

 

　まずチューナーやハーモニーディレクターを４４０Ｈｚに設定するのは、「４４０ＨｚのＡの音を基準にして、１オクターブを１２等分して得られる半音階（つまり平均律）に、各鍵盤の音を合わせる」という作業です。

 １オクターブ高い音は周波数が倍ですから、基準音を４４０Ｈｚにした場合、１オクターブ上のＡの音は８８０Ｈｚになります。チューニングしたいＢ♭の音はＡの半音上ですから、この４４０Ｈｚの差を１２等分したものを、単純に４４０Ｈｚに足した音のように考えますが、そうではありません。「音＝波」だし、「音が違う＝波の数（周波数）が何倍かになっている」のですから、実際（４４０Ｈｚの場合）には、

、

（ｎ＝１、２、３・・・半音の音））
という計算で、各音の周波数が計算されます。難しいから、あまり考えないようにしましょう（笑）。

でもとりあえずチューニングするＢ♭の音は、Ａから数えると１つ上の半音ですから、ｎ＝１を代入すると、

約４６６Ｈｚということになります。

 とりあえずここで言えるのは、

①     Ａが４４０Ｈｚの時には、Ｂの周波数は約４６６Ｈｚである。
②     基準とするＡの周波数が変化すると、各音の周波数も当然に違ってくる。

ということです。

 　だからさっきのチューニングの話に戻れば、「今日は４４０ＨｚのＡの音を基準にして計算された、約４６６ＨｚのＢ♭の音でチューニングね！」ということになりますが、それじゃなんだかわからない？？？

 だから、結局「４４０ＨｚのＢフラットね！」と言うのです。

　最後に、今まであえて避けてきましたが、音程はセント（cent）という単位を用いても表されます。チューナーに表示されるのはこの「セント」なので、むしろなじみやすい数字かもしれません。このセントですが、１オクターブを均等に１２分割し（平均律）、その半音に当たる音程の差を１００セント（cent）としたものです。つまり音が１オクターブ違うとすると、１００セント×１２半音＝１２００セント違うということになります。

　でも基準にするAの周波数次第で、半音あたりの周波数も違ってくるのでしたよね。ですから、「１Hzって何セント？」と言われても、その日の基準ピッチによって異なってしまうため、答えることができません。」

　「音＝波」であることや、音程が合わないと「うなり」が聞こえる理由が分かってきたと思います。ここでは、「音程のずれととうなり」の関係を見ていきましょう。

 　今まではグラフを単純化するために、実際的ではない２０Ｈｚなどの音（ヒトが耳で聞くことができる最低音ぐらいです）で話をしてきましたが、今回は実際にチューニングで使う４４２Ｈｚあたりの音程で考えていきましょう。

　今、２人が４４０Ｈｚと４４２Ｈｚの音程でＡの音を出したとします。これまでのように２人の音（合成波）を赤で表すと、グラフは次のようになります（波が細かいので、ベタ塗り状態に見えます）。

　
　１秒間（グラフの端から端まで）で、２人の音である合成波が大きく２回うねっていることが分かります。つまりこの場合２人の音を聞くと、「うぉん、うぉん」と１秒間にきっちり２回、うなって聞こえます。つまり、２人の音程が１Ｈｚずれていると、１秒間に１回のうなりが聞こえるのです。

　ちなみに４４０Ｈｚと４４４Ｈｚの２人の音では、

  

　
　というように、当然４回のうねりが見られ、じっさいに４回のうなりが聞こえます。

　つまり、「音を合わせる」ということは、ただ漠然と自分の音を誰かの音に近づけるのではなく、この「うなりを無くする＝波を合わせる」という作業なのです。これを理解しただけで、どんな音痴の人でも、必ず音程を合わせることができるようになります。また、しっかり訓練すれば、音程がずれたままでは演奏することができないほど、音程に正確な人間になれます！！本当です！


　詳しくは、次の「波を合わせる練習法」を見てくださいね。

　皆さんはまっすぐな線を引くときに、どうしますか？きっと線よりまっすぐな定規を使うと思います。

　「音を合わせる＝波を合わせる」でしたよね。波をあわせるためにも、やはりまっすぐな何かが必要です。それはなんでしょう？

　多くの人は「チューナー」を思い浮かべると思います。確かにチューナーを見ながらロングトーンをすれば、その時だけはまっすぐ正しい音程で演奏することができます。ですが、チューナーは「目で音を見る」ための機械でしたよね。ですから、マイナスではありませんが、あまりいい練習にはなりません。

　次に思い浮かべるのは「ハーモニーディレクター」など。これで何らかの音を出して、自分もその音を演奏すれば、あとは「うなり」が出ないようにすればいいのでしょうが、全員分のハーモニーディレクターは、皆さんの学校には存在しないですよね。 

　では、どうするか？

　実は皆さんの周りには最高の定規が存在します。それは、あなたとあなた以外の誰かです！！

　合奏は通常、多くの奏者が集まって行われますが、全員の音が合うためには、まずその最小単位である２人の音程が完璧に合わなければなりません。これは当然のことなのですが、日ごろからコンクールや演奏会のために曲の練習ばかりに追われるバンドの多くが見失っていることです。

 　つまりロングトーンやスケールに始まり、曲の練習まで、常に２人でやってみるのです。その際に、絶対に「うなり」を出さないようにするのです。自分が相手の定規になり、相手が自分の定規になってくれるのです！

 　最初は２人でＢ♭を吹いただけでも、どこかで「うぉん」とうなってしまうものです。そこで妥協せず、根気よく毎日「２人組」の練習をしてみてください。最初は同じ楽器どうし。それができたら、いろんな楽器どうし（ピッコロとチューバなんていうのもありですよ！）でやってみましょう。１ヶ月ぐらいで明らかな効果が見られ、半年後にはチューニングなんて必要がないほど、正確なピッチのバンドが出来上がります。それに、様々な調の楽器と２人組をやることで、楽器特有の癖（クラのＡ♭とか、金管の第５倍音付近の音程が高いこととか）を克服することもできるし、異なる楽器どうしでの音色の統一やブレンドの練習にもなります。

　もちろん、効果的な２人組の練習をすればですけど・・・。

　さらに、１人ではサボりがちな練習でも、必ず２人で毎日やると決めておけば、練習も楽しくサボらずにできるようになるし、なにより様々な部員どうしでペアをつくって練習することにより、お互いの「信頼」が生まれます！！よいサウンドづくりには、心の調和がなにより大切ですからね！

「２人組」の方法は多様であり、ここですべてを書くにはあまりにも無理があります。

　もし興味がある方（生徒さんでも先生、その他の指導者の方でも誰でもかまいません）がいらっしゃれば、直接ご連絡ください。

　資料をお送りすることもできるし、直接指導にうかがうこともできます。

　スケールなんて、ただのドレミファソラシド・・・。私が子供のころは、なんで大事なんだろうと思っていました。しかし、スケールはすべての練習の基礎となり、とても大事です。

　まずスケールの重要性は、「頭の中の階段の高さを一定にする！」ということです。ドとレの間には半音が２段、ミとファの間には階段が１段（あとは面倒だから省略します）。この段差を、どんな調においても常に正確に保つのが、スケールの意義です。

　しかし人間は、まあまあ優れた動物なので、どこかの調についてこの段差が正しく身につくと、他の調でもその階段を正しく使えてしまいます。だから、この「段差を正しく身につける。」という作業に関しては、何も全部の調で行う必要はありません。まあ多くのの調でやるに越したことはありませんが・・・。

　沢山の調でスケールの練習をするのは、「チューニングって何を合わせる？」で書いたような、楽器そのものやプレーヤー自身の癖を矯正することと、指を覚えることが目的です。これら（階段と癖と指）を一度にやろうとしても、どうせ上手くはいきません。ですから、まずは簡単な調（指使いが）でしっかりとした階段を身につけ、それとは別に指使いのための練習をすることが大切です。

　「波を合わせる練習方法」で書いた、「２人組の練習」をスケールに応用させると、少なくても階段の段差と指に関しては、自然に克服することができます。またそれを毎日いろんな楽器とやることで、調の違いも克服できます。

　チューニングする際、普通は最初に基準になる音を出します。ハーモニーディレクターの音だったり、オーボエだったりクラだった、バンドによって様々です。どの楽器を基準にするかでいろいろこだわる指導者の方もいらっしゃいますが、正直、何の楽器でもかまいません。大事なのは、聞こえた音に対して、各プレーヤーがどういう準備をするか？ということです。これまで書いてきたように、少なくてもその「聞こえた音」に対して、自分の楽器をチューニングするのではありません！

 では、いったいどうするのでしょう？

 　基準の音が聞こえたら、まずそれを頭の中で理解します（頭の中で同じ音を鳴らすという感じでしょうか？）。よく分からない人は、小さい声を出してその音を声で出してみてください。中高生の場合には、しっかりと声を出させるのもよいでしょう。ただし完璧な音程で！（毎日そんなことをやっていると、ほぼ間違いなく惰性になり、声を出す目的を忘れてしまうので注意）

 　これができたら、次にその頭の中でイメージした音に自分の楽器をチューニングします。イメージした音程と異なれば、管の長さを調節して、自分の楽器から出た音が頭の中の音と同じになるようにします。この時に、基準の音は不要です！完全に音を止めてしまいましょう！

 　オーケストラでもコンサートマスターの方がＡの音を出したら、あとはみんな好き勝手に（というと語弊がありますが・・・）チューニングしますよね。自分の頭の中の音と、バンド全体又はホール全体の響きとしての音程を合わせているためです。いつまでもコンサートマスターが全員に聞こえるような大きな音で、楽器を鳴らし続けるわけではありませんよね。

　チューニングが苦手でなかなか音が合わせられない人は、だいたいこの作業を怠っています。バンド全体にも同じことが言えます、音程の悪いバンドほど、チューナーとハーモニーディレクターにしがみつきます。

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　楽器に息を入れて音が出る！普通は口やリードがもっとも振動しやすいときに音が出るはず。その瞬間の音程を、頭の中にある音に合わせることが「チューニング」です。音を長く伸ばしながら、少しずつハーモニーディレクターなどの基準の音に近づけて行ったりするのは、「基準の音に自分が慣れていく」作業であり、管の長さを変えて、自分の楽器が一番コントロールしやすい状態（頭の中にある音に近い状態）にするという、本来の「チューニング」ではありません。

　大体、下手なバンドほど、ハーモニーディレクターの音を鳴らしっ放しにして、１人ずつ音を長く伸ばしてその音に合わせていったりするものです。皆さんのチューニングも、そうなってはいませんか？

　そうやって合わせた音は、合っているのはその時だけで、いざみんなで音を出したりすると、当然のようにぐちゃぐちゃになります。「管の長さ」を調整したのではなく、口や吹き方を変えて、出ている音に無理して合わせたのですから、当然の結果です！

 　ですから、チューニングする時には、まず頭の中にしっかりとした音を鳴らします。次に音の出だしに全神経を集中します。そして音が出た瞬間に、「高い！」「低い！」と判断するのです。難しそうですが、慣れればすぐにできます。だって、頭の中に「あ」という言葉を思い浮かべて、口から出た言葉が「い」だったら、すぐに自分で気づくでしょう？音がわかるということは、それと同じことです。

　「あ」と言いたいのに、楽器からは「い」に近い音がするようであれば・・・そのときにはしょうがないから管を抜き差しします。チューニングはこれで終わりです。もしどうしても不安なら、それを２回ぐらい繰り返してもいいですけどね。でも、１回目で合わない人は、大体１０回目でも合わないものですよ！ほんとに（笑）

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　ハーモニーディレクターはすばらしい機械です。高校のとき、指導に来てくださった淀彰先生が、発売間もなかったＹＡＭＡＨＡのハーモニーディレクターを持参され、純正調と平均律の和音を説明してくださったときに、目から鱗ではなく、耳から脳みそがこぼれ落ちるほど感心しました。現在発売されているハーモニーディレクターも、機能が充実し、バンド指導には欠かせませんよね！！私はここまで、音を出す１つの機械としてハーモニーディレクターという名前を出してきましたが、私はその有用性や必要性を否定しているのではないことをご理解くださいね。この通称「ハモデ（レ）」は、できれば全員が所持するべきものだとさえ思います！！！ 

　さて余談はさておき、基準音を出すはずのハーモニーディレクターよりも合うとはどういうことでしょう？ 

　ハーモニーディレクターには様々な音色が準備されていますが、いずれも機械で作成された波が音となってスピーカーから出てきます。例えば１オクターブの２つの音を出したとして、その２音は完全に同じ波形（つまり音色）で、片方の音の周波数だけが倍（４４０Ｈｚと８８０Ｈｚなど）になっているわけです。もちろんそれらは完全にお互いの波を強めあうので、合成音はよく響きます。 

　しかし何かの音を演奏するときに、その周波数の音だけが楽器から出るわけではありません。その音の周波数の整数倍である音、つまり倍音が沢山でます（あまりいい表現ではありませんが・・・）。これらがもともとの楽器から出た音や、お互いの倍音どうしで波を強め合って（共鳴しあって＝すべて基準音の整数倍ですから、とてもよく響きあいます）、倍音の少ない電子音であるハーモニーディレクターの音よりもきれいに響いてしまうのです。 

　倍音は、音の神様が使わした「天使」です。きちんとしたチューニングができるバンドにだけ現れ、その音をさらに輝かせてくれます(^^) 

　また、倍音は限りなく上に広がっていきます。それは周波数に上限がない（耳に聞こえるのはせいぜい２００００Ｈｚ弱までですが）ために非常に高い音まで共鳴し合うことと、高周波数の波の方が透過性が高い（遠くまで響く）こと、そしてプレーヤーの音は床より下には響かない（当然か・・・）ということのためです。
よい響きは、限りない上空にあります！！

 　ですから、チューニングがある程度しっかりできるようになったら、楽器から実際に出ている音ではなく、この倍音に合わせるようにしてみましょう。

 　指導者の方が生徒さんにこれを伝えるのは、実はとても大変です。「倍音を聞けー！」なんて言ったって、本当に理解できる生徒は１％ぐらいですよ。

 　では、どうするか？

 　そんなときには「あと１０ｍ上でチューニングしろ！」「だいぶ合っているから、あと３０ｍ上でチューニングして！」と、具体的な数字を与えてみてください。実際には無理なことでも、生徒は素直なので、上のほうにある響きを感じようと努力します。すると、嘘のようにサウンドが輝きますよ！それができた瞬間に、響かないように設計されている音楽室が、一瞬、ヨーロッパの教会のように響きます。それを１度でも感じたら、もうそれ以降、チューニングに頭を悩ますことはなくなります。 

　そして最後に一言、「聴いたか？今の音。ハーモニーディレクターよりも合ってるし、世界一響くホールで演奏してるみたいだよ！」なんて、気の利いたことを言うんです。これも結構大事ですよね！！

　あまり上手ではない、あるいは音が汚いバンドの練習に共通している点が、「チューニング時間がやたら長い！」ということです。それは顧問の先生が、チューニングというものの意義や方法を根本的に理解していないためであると思います。「チューニングって何を合わせる？」「音ではなく「波」を合わせる」「まずは頭の中をチューニング」などでも書きましたが、基準になる音を大音量で出し続け、さらにチューナーまで使って１人ずつ音を合わせるのは、全く意味がありませんし、無駄です。

　あなたのバンド、チューニングだけで１０分も２０分もかかっていませんか（笑）？

 　ではどうすれば・・・？

　次のような方法はいかがでしょうか？実際に私が行う方法です。 

①     まず基準になる音を出します。ハーモニーディレクターでも何かの楽器でもかまいません。

②     各プレーヤーが頭の中でその音を鳴らす。

③     音を止める。

④     メトロノームを６０にして、１人１拍ずつ音を出していく。自分の前に出した人の音が基準音になる。

⑤     合わないときだけ、「合わない」と言ってあげる。言われた者や自分で気づいた者は自主的に立つ。

⑥     一通り終わったら、合わなかった人だけ（立っている人）もう一度同じことをやる。

⑦     全員座ったら終わり！ 

　最初はなかなか難しいですが、きちんとした訓練をつめば、１回目に音が合わずに立つ生徒はほんの数名になります。だから、５５名のバンド（打楽器を除けば５０名以下ですよね）でも、だいたい２分あれば完璧にチューニングできます。

 　信じられない方が多いと思いますが、きちんとした訓練をすれば、どんなバンドでも半年後にはこの状態にもっていくことができます。それには、「波を合わせる練習方法」のところで書いた「２人組」の練習を丁寧にやることです。誰かの出した音が（あるいは自分が出した音が）、必ず他の人の音の基準や支えになっている！！ということを実感できれば、音は自然に合うようになります。

 　「２人組」の練習以外にも、基礎合奏の中でやる、それの応用練習が沢山あります。なかなか文章だけでは表現できないので、ここでは省略しますが、もし知りたい方がいらっしゃれば、直接ご連絡ください。資料をお送りすることもできますし、直接指導にうかがうこともできます！

　様々な教則本やバンド教本に、基本的な音形について書いてありますので、ここではその確認と補足です。

　まず次の図を見てください。

　長い音、短い音、アクセント、テヌートなど音形にもいろいろありますが、今は何の指示もない、四分音符を演奏すると思ってください。ご覧のように、音の基本形は図の通りです。 

音の出だし＝アタック　　音の中ごろ＝コア　　音の終わり＝リリース 

これが基本なのですが、実際にこの言葉を使って音形のことを説明しても、いまいちピンと来ないものです。そこで図にあるように、それぞれの部分に「た」「あ」「ん」と言葉をつけてみましょう。

　四分音符の音は、基本的に「たあん」です。スタッカートは「たん」、テヌートは「たあー」、長い音は「たああああん」かな。

　「アタックがきつい」とか「リリースが下手」なんて生徒に大声で叫んでも、よく伝わらないどころか、間違ったニュアンスで伝わってしまうことが多いと思います。その代わりに、「“た”しか聞こえない！」「“ん”がないから、音が響かない」とか言ってあげると、圧倒的に分かりやすいのです。音が短い時には、「“あ”の数をあと３つ増やして！」なんて感じです。

　 また音の長さを説明するため、日ごろから基準となる音符の長さを仮定しておくと、効果的です。私は「4分音符＝１ｍ」として、いつも話をします。テンポが速くても遅くても１ｍです。それで、「あ～、今の音はあと３ｃｍ短いよ！」とか言ってあげると、効果的です。 

　この先も、4分音符が１ｍだと仮定して話を進めますね！

　人は視覚に最も大きな影響を受けます。つまり見た目に弱いということ。音の見た目は出だし（アタック）です。「音形の重要性」に書きましたが、正しい「た」を発音することですね！下手な人は、まずこの見た目がダメです・・・

　でもそれは当然のこと。安心してください。ここではなぜ見た目がよくないのか、理解してみましょう！

 　皆さんは「慣性の法則」をご存知でしょうか？

　簡単に言うと、「止まっている物体はすぐには動けないし、動いている物体は急には止まれない」というものです。この「止まっている物体はすぐには動けない！！」ということを、音に当てはめてみましょう。

 

 

　なにか音を出そうとします。曲の最初かもしれないし、休符のあとかもしれません。その時、音楽は流れているのに皆さんは音を出していない、つまり止まっているのです。この「止まっている」状態から、正しい音形で音を出そうとすると、アタックの部分によほどしっかりした息を入れ、なおかつそれを持続させないと、正しい音形にはなりません。

　止まっている人に、いきなり「合図した瞬間から時速４０ｋｍで走れ！！」と言っても、慣性の法則が働くから無理でしょう！

　でも音楽ではこれが可能です。しっかり理解し、準備すればですが。どうするのかというと・・・ 

　まず、頭の中に四角いものを思い浮かべてください。私はいつも豆腐を思い浮かべます。そして・・・ 

　要するにアタックの形をしっかり四角い形にすればいいのですから、まずは舌を離した瞬間（タンギング）からしっかりとした息が楽器に入るよう、口の中の舌より内側の空気の圧力を、すこし高めに保っておいてください。これがしっかりした準備です。簡単でしょう！

 　簡単に言うと、「た」と発音する直前の状態です。だいたいアタック＝「た」でしたものね。

 　あとは、舌を離した瞬間から、「た」と発音して舌を離した勢いと同じで息をまっすぐ入れ続けましょう！！これが、次に述べる音のコア、つまり「あ」の部分につながってきます。 

　しっかり息を入れるということと、強く舌をつくするということを間違わないでください。タンギングはどんなにきつい音でも、常に「舌を離すだけ」です。あとは息のスピードと量の問題です。下手な人にもっと出だしをしっかり！というと、だいたい舌を離した瞬間だけがんばります。その結果、頭だけ鋭角の「三角形」の音形になり、そのあとの息も充実しないので、結果的に耳に刺さる響かない短い音になってしまいます。

 

　人は、音符を見ると、当然にその音を「確実に出そう」として、アタックつまり「た」を意識します。これはとても重要かつ上手に発音するのはとても難しい（慣性の法則があるから＝「出だし（アタック）の難しさ」を参照）ものです。

　そのため、音を出す際に、人はどうしても音の出だし、つまりアタックだけに集中してしまうのです。

　しかし音の命はその中身である「コア」にあります。

 　元青森山田高校顧問の安西先生が、「音は産み、育てるもの！」とおっしゃっていましたが、この言葉は正にこの点について述べられたものだと思います。 

　私たちは音を「産み出す」ことだけに気をとられてしまうのです。でもそれでは生みっぱなしの子供と同じ。親になり子供が欲しいという場合、「子供を産むだけ」もしくは「子供をつくる行為だけ」に興味があるわけではないでしょう？？まずは子供を産み、その子供にどのように関わっていくかでその子の将来が決まるのです。音もこれと同じです！！

　では実際に何を気をつければいいのでしょう？

 　アタックばかりに気をとられると、ほとんどの人はそこだけに息が入り、その後は楽器に息を入れることをサボってしまいます（子育てをサボってパチンコに行くようなものです）。すると、音形は次のようになります。

 

 　コアの部分で確実に音が薄くなり、バンド全体としても響きが薄くなります。この図ではまだ音のリリースである「ん」の部分があるからいいですが、多くのバンドでは、このリリース自体がなくなってしまい、音が「たぁ」と短くなります。コンクールの講評などで、「音が短く音色がきつい！」などと書かれた事はないですか？その状態がちょうどこれになります。別に書きますが、この原因に加え、さらにフレーズ感もなく（フレーズがどこからどこまでなのか、考えられていない）、酸欠の金魚のようにパクパクとブレスをするものですから（ブレスはしてもいいのですが、そのタイミングとごまかし方と全体の流れに問題があります）、もう大変・・・この辺についてもまた別に書きますね！

 音は産み、育てるもの！　　すばらしい言葉ですね！！

　

｛楽器の材質やメッキ・小物の影響｝
　楽器の音色は、楽器内の空気の振動によって決まりますが、空気だけではなく、楽器自体の振動も音色に大きな影響を与えています。材質が硬ければ、管内の音波の反射はよく鳴りますが楽器の振動は抑えられ、柔らかければその逆の現象が起こります。この兼ね合いを考え、長年の試行錯誤やプレーヤーからの要求により、現在のような様々な材質・メッキ等が存在するのです。
　例えば金管の材質は真鍮（亜鉛と銅の合金）ですが、銅の割合によって、少ない方からイエローブラス、ゴールドブラス、レッドブラスなどがあり、それぞれ硬さと音色が異なります。一般的に亜鉛の割合が多くなるにつれて色が薄くなり硬度が増します。逆に銅の割合が多くなるにつれて赤みを帯び、硬度は低下します。一般的にはイエローブラスの方が、レッドブラスよりも音が明るく硬いといわれますから、楽器の硬度と音の明るさ・硬さには相関性がありそうです。この傾向は木管楽器についても同じです。

ここで、「よく響く」ということについて考えてみましょう。この表現はとても曖昧ですが、素人的には「楽器は少しでもよく響いた方が・・・」と思いがちです。ちなみによく響くための材料としては、一般的に材料のE(縦弾性係数：ヤング率とも言う)/ρ(材料の密度)の値が高いものが良いと言われています。簡単に言うと、曲がりにくく密度が小さい（＝軽い）材料が適しているということになります。

また、「よく響く」ためには、音の振動を楽器の内部で効率よく反射させる（＝吸収しにくい）方が良いと言われています。これを「内部減衰率」ち言います。つまり「よく響く」楽器の材料としては、E/ρの値が高く内部減衰率が小さいものがいいということになります（理屈では）。

このことについては、佐田岳夫（Takeo Sata）氏が、「楽器と金属　Metallic Materials for Musical Instrument」（https://www.jstage.jst.go.jp/…/…/64/4/64_4_269/_pdf/-char/ja）という論文(1993.10)で詳しく述べられています。図は、佐田氏がこの論文中に使用されていたものです。

佐田氏も述べられていますが、このグラフを見ると、楽器の材料としては、ただ単に「よく響く」ことだけを考えているのではないということが分かります。材料の固さや密度、内部減衰率をある程度犠牲にしても、「好まれ求められる音色」に対応するために、試行錯誤が繰り返されてきたと言えます。

　また材料やメッキ以外に、世の中には音色に変化を持たせるための様々な小物も存在します。リーフレック・バルブキャップ・ボトムキャップ・リガチャーなど・・・。リガチャーは必要不可欠な小物でしょうが、それにしては様々な形や材質・メッキのものがありますよね。こういったものは、上の話で言えば、楽器そのものの振動を変化させる（抑える）ことで、擬似的に内部減衰率を変化させるものと判断されます。楽器そのものを何本も買ったり、色んなメッキをかけてみたりすることが、普通の人にとっては経済的に難しいため、安価に音色を変化させるものとしては、充分に可能性がありそうです。
　ただ１つ言えることは、音色に「変化」は生じても、それがよい「変化」になるとは限らないということ。取り外し可能で元の状態に戻せるものなら気軽に試せますが、メッキまで変化させてしまうと、その先の保障はない・・・と言わざるをえません。まあ、庶民の好奇心と探究心を埋めるものとしては充分かもしれませんね！！

　数回に渡って書いてきた「音色」の話は、今回で終わりになります。｢音色｣についてはあまりにも要素が多いことと、「個人の好み」にも大きく左右されるので、結論はもちろんありません。理想の音を追い求めて一生試行錯誤することが、音楽の喜びなのでしょうね・・・。皆さんの追い求める理想に、ほんの少しでも役に立てたでしょうかねぇ・・・？？？

｛楽器の材質やメッキ・小物の影響｝

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